Cubismo: qué es, características, etapas, representantes, obras

¿Qué es el cubismo?

El cubismo es una manifestación artística que nació en Francia en 1907. Este movimiento se caracterizó por el uso de nuevas técnicas pictóricas que mostraban otros puntos de vista de la realidad. Así mismo, destacó por el uso de figuras geométricas, tales como el círculo, el cilindro y el cubo. El propósito de esta nueva técnica fue cambiar los elementos que se usaban en el arte tradicional.

Los pintores cubistas se negaron a crear obras donde las figuras estuviesen completamente definidas. Por ello, las pinturas realizadas por los cubistas –a veces– son difíciles de entender. Un ejemplo es la pintura de Pablo Picasso titulada Muchacha con mandolina (1910), que tiene la estructura de un rompecabezas que aún no ha sido armado.

Lo interesante de esa obra es que algunas partes del cuerpo de la mujer se encuentran de perfil, mientras que las otras están de frente. ¿Cómo entenderla? La idea es observar cada pieza por separado y luego organizarlas como una totalidad.

Se afirma que el movimiento cubista se basó en un ejercicio mental, ya que los pintores no retrataban los objetos como eran o como se veían, sino como se los imaginaban. Por lo tanto, el cubismo fue una manifestación que valoró el desarrollo de las ideas modernas.

El término cubismo fue creado a principios del siglo XX por Louis Vauxcelles para nombrar a aquellas pinturas que consideraba inferiores, pues decía que los artistas que pertenecían a este movimiento solo dibujaban cubos deformes.

Sin embargo, esta manifestación artística fue esencial para que surgieran el futurismo, el surrealismo y otras técnicas abstractas.

Iniciadores del cubismo

El cubismo nació con el propósito de que los pintores no imitaran a la naturaleza al momento de crear sus obras. Para que este movimiento artístico naciera, fue importante la influencia de la escultura africana, del desarrollo tecnológico y del pensamiento científico.

Por ejemplo: gracias a la escultura africana, los pintores notaron que el concepto de belleza artística se podía modificar: las obras no tenían que ser perfectas para transmitir un mensaje.

Por otra parte, el desarrollo tecnológico –especialmente el invento de la cámara fotográfica– hizo que los artistas entendieran que el mundo estaba cambiando, ya que las fotos sustituían a los retratos.

El pensamiento científico –específicamente lo expuesto por Albert Einstein– fue fundamental para que los autores comprendieran que las personas percibían los colores, movimientos y formas de diferentes maneras.

Siguiendo esos aspectos, Pablo Picasso y George Braque decidieron diseñar algunas obras que se ajustarán a la nueva realidad.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Es uno de los pintores más conocidos en el mundo. Nació en Málaga, ciudad ubicada en España. Se trasladó a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; pero en 1900 se mudó a París, donde continuó sus estudios.

Al principio sus obras artísticas fueron clásicas, pero en 1906 comenzó a elaborar su cuadro Las señoritas de avignon, el cual –según la opinión de los críticos– fundó el cubismo. Esta pintura fue exhibida en 1907 y está compuesta por 5 mujeres desnudas: 4 se encuentran de pie y 1 está sentada.

Aparentemente, 3 damas tienen el rostro desfigurado; pero cuando se observan detalladamente se percibe que llevan máscaras africanas. Esta obra sobresale por ser plana a primera vista; sin embargo, las líneas angulares le dan profundidad.

Las obras cubistas de Picasso se caracterizan por tener colores neutros, destacan el negro, gris, blanco y el marrón; pero también utilizó el azul oscuro y el rojo.

Su finalidad era representar de una forma distinta a los seres o elementos que consideraba que habían sido muy usados en el arte tradicional, por eso se enfocó en pintar mujeres y naturalezas muertas.

Georges Braque (1882-1963)

Este artista fue uno de los principales seguidores de Pablo Picasso, incluso se unió a él para desarrollar la pintura cubista. Nació en Le Havre, localidad que se encuentra en Francia. Su vida artística inició en el taller de su padre, donde se relacionó con los colores primarios y compuestos. En 1889 se mudó a París para estudiar en la Academia Humbert y en la Escuela de Bellas Artes.

A diferencia de Picasso, las pinturas cubistas de Braque se caracterizan por ser muy coloridas, ya que usó el amarillo, verde y rojo oscuro. Su objetivo fue darles profundidad a las obras a través del color, por eso contrastó los tonos brillantes con los neutros. Sus creaciones son difíciles de interpretar porque las líneas no son precisas o unas están sobre otras.

Observar una pintura de Braque es como ver una cartelera escolar donde se han colocado numerosos papeles sin ningún orden. Para este pintor, lo importante era que el espectador organizara las obras cubistas mediante la imaginación.

A lo largo de su carrera, pintó paisajes marchitos, instrumentos musicales y objetos simples como pipas, vasos, botellas y fruteros. Otro aspecto fundamental de sus pinturas fue que incluyó las letras; es decir, algunas de sus piezas muestran un mensaje escrito.

Características del cubismo

Experimentaron con las figuras y los objetos

Los cubistas exploraron formas abiertas, perforando figuras y objetos, dejando que el espacio fluyera a través de ellos, mezclando el fondo en primer plano y mostrando objetos desde varios ángulos.

Algunos historiadores han argumentado que estas innovaciones representan una respuesta a la cambiante experiencia del espacio, el movimiento y el tiempo en el mundo moderno. Esta primera fase del movimiento se llamó cubismo analítico.

Abandono de la perspectiva y el realismo

Los artistas abandonaron la perspectiva, que había sido utilizada para representar el espacio desde el Renacimiento, y también se alejaron del modelado realista de las figuras.

Naturaleza desde la imaginación

Los cubistas buscaron pintar la naturaleza tal como se la imaginaban y no como la veían diariamente. Por eso se aprecia que cada artista retrataba el paisaje de manera diferente.

Sin embargo, todos pensaban que el mundo estaba formado por figuras geométricas, de ahí que hayan usado los cilindros, cubos, círculos y triángulos para crear sus dibujos.

Búsqueda de varios puntos de vista

Los pintores querían que sus obras tuviesen varios puntos de vista. Por ello se observa que los personajes o los objetos de algunos cuadros se encuentran en distintas posiciones.

Por ejemplo, pudieron pintar un hombre de espaldas con el rostro de frente, mientras que la boca y los ojos se hallaban de perfil. Para crear ese efecto, elaboraban sus pinturas como si fuesen un collage.

Se da importancia al contenido

Le dieron mayor importancia al contenido de la obra. Es decir, para los artistas cubistas lo importante no era lo que dibujaban, sino lo que transmitía la pintura.

Escenas cotidianas

No se preocuparon por retratar los temas que eran considerados importantes, tales como los religiosos y políticos, sino que se centraron en pintar escenas cotidianas como una guitarra o un jarrón con flores. El fin era que los espectadores se vincularan emocionalmente con las imágenes que veían.

Técnicas cubistas

Efecto de la luz

Los cubistas no se preocuparon por utilizar la técnica claroscuro, que fue muy empleada por los autores renacentistas para destacar algún elemento o personaje de sus obras. Lo que sí usaron los pintores cubistas fue el efecto de la luz, que creaban cuando unían los colores marrón y amarillo.

Figuro y fondo poco colorido

Al principio, en las pinturas cubistas se eliminó la tercera dimensión. Es decir, los artistas no se enfocaron en crear profundidad, por eso los cuadros solían ser de un solo plano; en conclusión, solo se representaba la figura y un fondo poco colorido.

No obstante, con el paso del tiempo los autores comenzaron a utilizar las líneas curvas y los colores compuestos (es decir, aquellos que se forman de los colores primarios), que la daban cierto grosor a los cuadros.

Etapas del cubismo

El cubismo tuvo como propósito romper con las obras artísticas que se habían realizado anteriormente, en especial con las que habían hecho los autores del movimiento neoclásico, cuyas pinturas sobresalían por ser una copia de la naturaleza y su belleza.

Así fue como Pablo Picasso, decidido a no seguir una manifestación artística que fuese realista, no solo se enfocó en estudiar el arte africano y los avances tecnológicos, sino que examinó detalladamente los cuadros del pintor francés Paul Cézanne, que se caracterizaban por ser pocos definidos.

Cézanne no empleó la técnica de tercera dimensión y las figuras que destacaban en sus obras eran las esferas. Influenciado por esas ideas de representación, Picasso fue desarrollando el cubismo, que comprendió tres etapas:

Cubismo primitivo (1907-1909)

Muchos autores dicen que este período primitivo no se puede incluir dentro de las etapas del cubismo, porque solo fue un momento de experimentación. Sin embargo, fue durante esta etapa cuando los pintores empezaron a definir las características que identificarían a sus cuadros, entre ellas se encontraban las siguientes:

• Se decidió usar únicamente los colores negros y blancos. Si se deseaba emplear otros tonos, entonces eran válidos los grises y marrones.
• Era preferible pintar objetos y personas en lugar de paisajes.
• No era necesario que las pinturas tuviesen grosor ni profundidad.

Cubismo analítico (1910-1912)

También llamado cubismo hermético, ya que era muy difícil entender la imagen y el orden de la pintura.

Esta etapa fue importante porque los artistas se enfocaron en analizar los hechos de la vida diaria para recrearlos; es decir, observaban una escena específica, se la imaginaban de manera fragmentada y de ese modo la pintaban.

Por eso, los cuadros que fueron elaborados durante el cubismo analítico se parecen a los rompecabezas. A continuación se mencionarán los aspectos que destacaron a lo largo de este período:

• Los artistas no buscaban que sus pinturas tuviesen un sentido único.
• El uso de las líneas curvas fue cada vez más común, elemento que la daba cierta profundidad a la obra.
• Se comenzaron a utilizar los tonos amarillos, verdes y azules para contrastarlos con los colores neutros.
• En los cuadros se empezaron a incluir los paisajes.

Cubismo sintético (1913-1914)

Esta etapa también fue nombrada cubismo de reintegración, porque los artistas ya contaban con más libertad temática al momento de pintar. El autor más importante de esta manifestación fue George Braque, quien inventó la técnica del collage o parche.

Con el fin de darle textura a los cuadros y aumentar el valor de la decoración, Braque se dedicó a recortar trozos de papel y con pintura los pegó en la obra. Ese suceso causó que los retratos cubistas tuviesen mayor impacto en los espectadores.

A partir de ese momento, los artistas no solo utilizaron las pinturas de óleo y acrílico para realizar sus cuadros, sino que usaron materiales como tela, arena y vidrio.

Representantes y sus obras

El cubismo fue una manifestación que duró pocos años; sin embargo, su influencia fue fundamental para que nacieran nuevas expresiones artísticas. Por esta razón, se afirma que el movimiento iniciado por Picasso y Braque no solo cambió la historia del arte, sino que demostró que existen diferentes técnicas para pintar.

Pero Braque y Picasso no fueron los únicos representantes del cubismo, también destacaron Juan Gris y Fernand Léger:

José Victoriano González Pérez (1887-1927)

Mejor conocido como Juan Gris, fue un pintor nacido en Madrid. Desde 1904 hasta 1906 estudió en la Escuela de artes y Manufacturas e hizo cursos en el taller de José Moreno Carbonero.

Se mudó a París en 1906, ya que estaba huyendo de los militares y del gobierno español. En esa ciudad consiguió hospedaje en el mismo edificio donde vivían Picasso y Braque.

En 1910 realizó sus primeras pinturas cubistas, que no fueron bien recibidas porque tenían profundidad. A partir de 1911 sus obras destacaron por ser coloridas y planas. Gracias a este pintor se incluyó el efecto caricatura en los cuadros, además hizo que los retratos se vieran más anchos y largos.

Un ejemplo es su obra Arlequín con guitarra (1919), donde se ve la figura alargada de un hombre que tiene el cuerpo de frente, pero mira hacia la izquierda. La pintura está compuesta por rectángulos, triángulos y algunas líneas onduladas que dan la sensación de movimiento: como si el personaje estuviese tocando el instrumento musical.

Pinturas

Juan Gris no se dedicó únicamente a mejorar el estilo de los cuadros cubistas, también creó su propia técnica de collage donde unió papel periódico con cartón. Entre sus pinturas más importantes se encuentran:

– Retrato de Pablo Picasso (1912).

– Violín y tablero de ajedrez (1913).

– Bodegón con persiana (1914).

– Amadeo Modigliani (1915).

Fernand Léger (1881-1955)

Nació en Argente, provincia ubicada en Francia. En 1900 se trasladó a París donde fue ayudante de arquitectura y estudió en la Académie Julián. Admiraba a Paul Cézanne y desde 1907 se centró en estudiar sus obras.

Sus primeros cuadros cubistas los pintó en 1908; aunque es preciso mencionar que su estilo no fue tan desarrollado como el de Juan Gris. Aun así, sobresalió por el modo en que usó los colores primarios, los cuales utilizaba para resaltar las sombras de las figuras cilíndricas y dar textura a sus pinturas.

Otra característica importante de las obras de Léger fue que no retrató a personas, sino que dibujaba robots y máquinas que iban consumiendo a la humanidad. De ese modo se ve en su pintura Desnudos en el bosque (1909), donde se observa un depósito llenó de objetos metálicos; las figuras geométricas que destacan en la obra son el cono y el cilindro.

En este cuadro no se encuentra ni un espacio vacío; es como si el pintor hubiese querido decir que el hombre estaba siendo sustituido por la tecnología.

Pinturas

El objetivo de Fernand Léger fue pintar el inicio de un mundo nuevo, por eso utilizó los tonos bronces y grises, pues eran los colores de las máquinas. Algunas de sus obras más importantes son:

– El cruce ferroviario (1919).

– Mujer con un gato (1921).

– Tres mujeres (1921).

– La Gioconda con las llaves (1930).

Louis Marcoussis (1878-1941)

Ludwik Kazimierz Wladyslaw Markus, que era como realmente se llamaba, nació en Polonia, pero pronto se trasladó a París. Tras estudiar derecho, mostró interés por la pintura ingresando en la Academia Julian. En 1905 expuso por primera vez, siendo el inicio de una carrera bastante notable. 

Tuvo la suerte de conocer a artistas como Braque, Degas o Pablo Picasso, lo que influyó en que experimentase con el cubismo. Durante esta época presentó en varias exposiciones obras de bodegones, paisajes de la costa bretona o vistas de París.

Además del cubismo, también desarrolló técnicas de grabado, ilustración o impresionismo hasta su muerte en 1941.

Pinturas

– Le bar du port (1913).

– Violon, bouteilles de Marc et cartes (1919).

– Figures on a Beach (1930).

– The Musician (1914).

Albert Gleizes (1881-1953)

Parisino de nacimiento, desde pequeño era un niño bohemio que prefería pasar las tardes escribiendo poesía junto al cementerio en lugar de jugar o ir a la escuela. Tras una etapa en el ejército, empezó como aprendiz de pintor en el taller de su padre, donde los paisajes fueron sus primeras obras.

Aunque su estilo inicial era impresionista, al relacionarse con los artistas del barrio de Montparnasse se empezó a interesar por el cubismo, movimiento al que ha estado más vinculado durante su vida artística.

Se unió al Grupo de Puteaux y siempre estuvo muy vinculado a otros genios como Marcel Duchamp, Jean Metzinger o Jacques Villon.

Pinturas

– Cubist Landscape (1914).

– Retrato de Jacques Nayral (1911).

– Figure Cubiste (1921).

– Sitting nude (1909).

Diego Rivera (1886-1957)

Aunque fue más conocido por sus murales, este destacado pintor mexicano también tuvo una brillante etapa cubista. La razón fue que, estando asentado en París en la década de 1910, le pilló este movimiento en su momento más fuerte.

Aunque son muchas las obras cubistas de Rivera, los estudiosos creen que no se sentía especialmente orgulloso de ellas y trataba de mantenerlas en secreto. Más adelante siguió experimentando con otras técnicas vanguardistas como el postimpresionismo.

Pinturas

– Retrato de Ramón Gómez de la Serna (1915).

– La mujer del pozo (1913).

– Portrait of Two Women (1914).

– Maternidad, Angelina y el niño Diego(1916).