Arte colectivo: características, técnicas, ejemplos
El arte colectivo hace referencia a la unión de un grupo de artistas, desde dos hasta muchos más. Dicha unión se realiza con la intención de colaborar entre los mismos artistas para generar uno o varios trabajos artísticos.
Generalmente, los artistas que se unen para crear una obra de arte colectivo suelen compartir pensamientos o ideas políticas, sociales o culturales, y sus obras expresan gran contenido de estos ideales.
Por otra parte, en la mayoría de los casos, los colectivos artísticos no acostumbran a trabajar motivados por un fin económico, sino que la mayoría de sus obras son sin fines de lucro.
Características del arte colectivo
Algunas de las características más importantes del arte colectivo son las siguientes:
Compatibilidad de ideologías
Las personas que se unen o forman a colectivos artísticos tienden a unirse bajo una misma ideología o forma de pensar. Estas pueden ser ideologías políticas, sociales o económicas, entre otras.
Uniformidad de la técnica
La mayoría de las obras realizadas por colectivos artísticos tienen la particularidad de contar con una uniformidad técnica, por lo que no se distingue ningún tipo de rasgo particular de un artista, sino que parecen estar hechas solamente por una persona.
Disciplinas
Una obra realizada por un colectivo artístico puede estar hecha por una sola disciplina, o por varias al mismo tiempo.
Por lo tanto, una obra de arte colectivo se puede expresar a través de una instalación artística, o también puede exponerse a través de la escultura, la música o la danza, entre otras técnicas, ya sea utilizando una sola disciplina o mezclando varias.
Sin fines de lucro
La mayoría de personas que se unen a colectivos artísticos no lo hacen por motivos económicos, sino para expresar sus ideas en conjunto con otros artistas que piensen de la misma manera.
Vigencia
La mayoría de colectivos artísticos tienden a no perdurar en el tiempo, generalmente los artistas que participan en una obra de arte colectivo suelen involucrarse únicamente por una obra, y una vez concluida esta, se desvinculan.
Técnicas en el arte colectivo
Las técnicas utilizadas para la realización de una obra de arte colectivo son varias.
Además, cada una de estas técnicas pueden estar compuestas únicamente por un lenguaje artístico en particular, como la música o la pintura, o combinar dos o más lenguajes artísticos diferentes en una misma obra. De esta manera, se pueden unir diferentes artistas con habilidades en distintos lenguajes artísticos y fusionarlos para crear una única obra.
A continuación, algunas de las técnicas más utilizadas en el arte colectivo:
Instalación artística
La instalación artística es una técnica en donde se utiliza un espacio determinado para crear la obra. Dicho espacio puede ser un salón, las paredes, el piso, o incluso un lugar en el exterior.
En este tipo de técnica, en ocasiones el espectador es parte de la obra, pudiendo interactuar con la misma.
En sus comienzos, en los años sesenta, este tipo de obras eran temporales, es decir que se presentaban en un determinado lugar por una cantidad de tiempo preestablecida y luego se desmantelaba. Sin embargo, hoy en día algunas de estas instalaciones artísticas son permanentes.
Pintura mural
La pintura mural es una de las técnicas más utilizadas, tanto por el arte colectivo, como por artistas en solitario. Básicamente se trata de una pintura hecha sobre una pared, ya sea de un edificio, una casa o cualquier otro lugar.
La pintura mural es utilizada por los artistas de un colectivo artístico, en la mayoría de los casos para reflejar algún tipo de pensamiento o sentimiento sobre un tema en particular de la sociedad. Además, suelen representar episodios trágicos que han ocurrido en la comunidad.
Esto se hace, entre otros motivos, como forma de instalar en la sociedad algún tema en particular, y que se pueda reflexionar sobre el mismo.
Performance
Se trata de una disciplina artística en la cual el artista o artistas intentan generar una reacción en el espectador. Estas intervenciones se pueden dar en museos, galerías de arte o incluso en la calle, y son presentaciones generalmente temporales y espontáneas.
Utilizando la performance o acción artística, un colectivo artístico puede exponer sus pensamientos a la sociedad, realizando críticas sociales que hagan pensar al espectador.
Arte colectivo en México
El arte colectivo en México tiene sus comienzos durante los últimos años de la década del 60’ y principios de la del 70’, dentro de un contexto social y político muy agitado.
El año 1977 fue uno de los más importantes en los inicios del arte colectivo mexicano, ya que su participación en la X Bienal de Jóvenes de París, con una obra con un fuerte contenido político, llamó mucho la atención del público en general.
Desde ese momento, el arte colectivo en México fue creciendo y sumando nuevos artistas, los cuales fueron desarrollando un nuevo lenguaje a través de la experimentación con distintos materiales y soportes artísticos.
Uno de los puntos de unión de todos los grupos de arte colectivo fue el hecho de ser críticos, ya sea a nivel político, social o sobre el sistema artístico.
Esta tradición de arte colectivo sigue siendo utilizada hasta el día de hoy en México, contando con artistas que se unen para crear alguna obra en particular y luego se separan, o con colectivos artísticos que llevan mucho tiempo trabajando juntos.
Ejemplos de obras de arte colectivo y sus artistas
A continuación, algunos ejemplos de obras de arte colectivo y sus artistas.
Mira
Mira fue un grupo de artistas que ha creado varias obras de arte colectivo en los años 70 en México. El grupo estaba conformado por Melecio Galván, Rebeca Hidalgo, Arnulfo Aquino y Jorge Perezvega.
Este grupo realizaba obras gráficas desmontables a los cuales llamaron “comunicados gráficos”, y que los instalaban en colegios, sindicatos y barrios populares.
En sus obras, los temas que se trataban eran de carácter social, como la represión, el poder, la pobreza y la violencia, entre otros.
CoBrA
El movimiento CoBrA fue creado en Francia al final de la Segunda Guerra Mundial, y tuvo vigencia entre 1948 y 1951. Su nombre hace referencia a tres de las ciudades de sus miembros fundadores más importantes, Copenhague, Bruselas y Ámsterdam.
Sus fundadores, Asger Jorn, Karel Appel y Pierre Corneille, junto con otros artistas como Christian Dotremont, crearon el grupo como oposición al arte occidental, que era en aquel momento el centro del arte mundial.
Este colectivo artístico ponderaba el estilo de arte primitivo, como el que realizan los niños, y, además, replantearon el surrealismo.
Guerrilla Girls
Este colectivo anónimo liderado por artistas feministas fue fundado en 1985, y ha rendido honor a su nombre por utilizar estrategias de arte de guerrilla para propulsar el movimiento de arte femenino.
El grupo suele usar máscaras de gorila, medias de red y minifaldas, símbolos icónicos de su movimiento y comunicaciones.
Expresan que ninguna persona ni siquiera sus familias o parejas conocen sus identidades, negándose a confesar el número total de mujeres que integran su equipo; se cree que estuvo compuesto por unas 20 o 30 artistas. Sus propuestas se basan en acciones, carteles y vallas publicitarias.
Gelitin
Este colectivo está integrado por 4 artistas austriacos que se reunieron en el año 1978 y que empezaron a hacerse notar gracias a su arduo trabajo a principios de los 90.
Hasta 2005 mantuvieron el nombre Gelatin (gelatina), para luego cambiar a Gelitin. Su propuesta está basada en acciones de gran escala, instalaciones e intervenciones de espacios que difieren unas de otras en escala y ambición. Se caracterizan por ser subversivos y suelen involucrar al público en sus actos.
Una muestra de su trabajo es la obra Zap of Pipi (2005) en la que crearon un carámbano gigante con muestras de orina congelada de los visitantes de la Bienal de Moscú.
Una de las obras más conocida de Gelitin es Hase, un conejo rosado de 55 metros instalado en una colina de la Toscana, Italia, que permanecerá en el sitio hasta 2025.
Archigram
Fue un grupo de arquitectura de vanguardia establecido en la década de los 60 que se centró en una propuesta futurista, pro comunista, antihéroe y muy inspirados por la tecnología.
El grupo exploró las cápsulas espaciales, las imágenes de consumo masivo, la supervivencia, ofreciendo una perspectiva seductiva del futuro de las máquinas en la que se omitían los temas sociales y ambientales transformando la realidad a su propio lenguaje.
Sus obras sirvieron de inspiración para otros artistas y proyectos tecnológicos. Una de sus obras más conocidas es La Ciudad Caminante (1964), que constaba de elementos gigantes con vida que asemejaban a una mezcla entre máquinas e insectos que podían transitar por las ciudades, detrás de todo un fundamento situacional.